El arte abstracto es un movimiento artístico perfecto para expresar sentimientos, inquietudes, emociones de los/las participantes y a la vez convertir los espacios grises, inmóviles en lugares coloridos y dinámicos que consiguen hacer parar el caminante para ver, mirar, leer, reflexionar…

SVANEN ( El cisne) No.17 Grupo IX. Serie SUW

(Octubre de 1914 – Marzo de 1915)

Hilma af Klint

Si quieres saber más: https://historia-arte.com/artistas/hilma-af-klint

Antes de Mondrian, Kandinsky o Malevich, hubo una mujer que fue pionera en la abstracción Hilma af Klint (1862-1944). Fue una artista sueca incomprendida en su época, por eso mantuvo su trabajo en secreto, para no ser cualificada de “bruja” o “loca”. Hija de un almirante, estudió en la Real Academia Sueca de las Artes en Estocolmo, uno de los escasos centros en Europa que admitían mujeres en está época.

Desde pequeña se sintió atraída por las experiencias espirituales, lo que le inspiró en muchas de sus obras.

Hilma af Klint, no quiso que sus más de 1200 obras estuvieran expuestas y exigió, como última voluntad, que no fuese mostrada en público hasta 20 años después de su muerte porque pensaba que el público no iba a entender su obra.

Además ella decía que:

“sólo actuaba como el vehículo a partir del cuál se creaba de forma inconsciente en conexión con sus guías espirituales de otra dimensión.”

Hasta 1986 el mundo no pudo disfrutar de sus obras. La histografía oficial no acepta que una mujer fuera la creadora del arte abstracto.

Referencia: https://www.elespanol.com/cultura/historia/20161111/169983345_0.html

Primera acuarela abstracta (1910)

Wassily Kandinsky

El pintor ruso, Wassily Kandinsky nació en Moscú el 16 de diciembre de 1866, proviene de una familia de clase media alta y muere en el mismo año que Munch, Hilma af Klint, en 1944. Estudió derecho pero a las 30 años decide tomar rumbo al arte. Se casa con su prima Anna Chemyákina conviven hasta 1904. Más adelante se casa dos veces más. Sus primeras pinturas (paisajes ejecutados con espátula) vieron la luz en Alemania. Al estallar la I Guerra Mundial decide vivir en Suiza un tiempo (1914).

Desde niño le fascina el simbolismo del color y la psicología.

“El color es la tecla. El ojo es el martillo. El alma es el piano. El artista es la mano que con una u otra tecla hace vibrar el espíritu del ser humano”

En 1912 publicó “ de lo espiritual en el arte” donde critica a las instituciones académicas tradicionalistas y la idea del arte en general.Es el primer libro que describe la fundación teórica de la abstracción.

Kandinsky a la hora de enfrentarse a su pintura abstracta considera a los colores y a las formas en sí mismos, no como elementos para conseguir figuras, sino como los medios más puros para lograr con la expresión pictórica una emoción. Él afirma que:

• El círculo es la forma más pacífica y representa el alma humana. A los triángulos se relaciona más con los tonos cálidos (amarillo, rojo) y a los colores profundos se relacionan con formas más cuadradas o redondas.
• Un simple color puede transmitir diferentes sentimientos. (el rojo: amor pero agresividad también)
• La superficie amarilla parece moverse hacia nosotros, el azul parece alejarse.

Kandinsky convirtió su pintura en un trabajo intelectual, inmaterial con que busca el ritmo de esas formas y colores, construyéndolos de forma abstracta y dándole dinamismo. Llegó a decir que ” los objetos perjudican a la pintura”, la belleza del arte reside en la riqueza cromática y la simplificación formal. Es la representación de lo esencial del arte, no una burda imitación de la naturaleza, que es de por si insuperable. Al principio fue alternando obras figurativas con otras esquemáticas, luego iba eliminando las figuras reconocibles y llegar a pintar su acuarela titulada “Primera acuarela abstracta” (1910), que parece representar que el cosmos nace técnicamente fruto de las catástrofes.

“la creación de una obra es una creación del mundo”. En su época no fue entendida pero ahora se considera una de sus obras maestras reconocido por todo el mundo.”

Entre 1910 y 14 sus creaciones se puede dividir en tres categorías:

1. Impresiones. Trabajos basados en la naturaleza. Ella fue su fuente de inspiración. Este artista dirige su mirada hacia lo que conoce. Los títulos con los que denomina sus trabajos son obvios e indican lo que representan: Concierto, Parque, Fuente.
2. Improvisaciones (expresiones de emociones internas). Estos cuadros señalan cuáles fueron las emociones interiores de este artista a la hora de trabajar, que son del orden espiritual. En su primera época no figurativa, parece remontarse al primer estadio del grafismo infantil. Las Improvisaciones son movimientos agregados de signos sin ningún soporte estructural ni ningún orden aparente: en el mismo cuadro hay signos de origen diferente que es imposible combinar en un discurso morfológicamente y sintácticamente coherente -puntos, comas, curvas, rectas, manchas, nubes de color.
3. Composiciones (de gran rigor compositivo pero basadas en la intuición, líneas negras agrupadas junto con colores vivos, formas geométricas en armonía). Es donde logra su objetivo, fusiona lo intuitivo con el rigor compositivo. Son trabajos minuciosamente concebidos, todos los trazos son calculados. Todos los cuadros responden a ensayos en los que previamente se hicieron profundos estudios, apuntes, sobre cálculos de las líneas, las que previamente fueron  trazados previamente sólo llevados por el instinto del artista.

Según Kandinsky en el punto se sitúa todo origen de una obra artística ya que es la parte más mínima y escueta de la obra. También sitúa en el punto, el origen del resto de las formas naturales. El aspecto exterior del punto geométrico determina su aspecto externo, se le suele considerar pequeño y circular, pero esta idealización es equivoca porque puede adquirir cualquier aspecto, ya que el punto se produce “del choque del instrumento con la superficie material” con lo cual la huella del punto está en relación con la herramienta que se haga. La tensión del punto tiene una tensión concéntrica y carece de movimiento, es estático, comparándolo con las relaciones humanas, el punto sería el silencio en una conversación. Kandinsky plantea que el punto puede formar una composición por sí solo, la más sencilla sería el punto en el centro de un plano cuadrado pero a penas tiene sonoridad. Si cogemos este punto y lo situamos en otro lugar del plano, aparece la bitonalidad. Ahora bien si repetimos este punto y le alteramos en tamaño y forma podremos alcanzar el cenit en la sonoridad.

La definición de la línea sería la sombra que deja un punto al desplazarse en cualquier dirección. A diferencia del punto la línea es dinámica y aparte de la tensión también consta de dirección. Las líneas se pueden vivir en tres grandes grupos:

I- Líneas simples. En cual estarían las líneas rectas que se dividen a su vez en: horizontales (tienen un carácter frío), verticales (carácter cálido) y diagonales (carácter templado). El resto de rectas son derivaciones de las diagonales y dependiendo de su posición (más vertical o más horizontal) así será su carácter. Cuando nos encontramos con un complejo de rectas tenemos que pueden ser acentrales, las cuales no pasan por el centro y son las primeras en asociarse a colores: el amarillo y el azul. Y las centrales, las líneas pasan por el centro y se relacionarían con el blanco y el negro. En la transición de acéntricas, el lirismo frío se va volviendo cálido hasta alcanzar una calidad dramática, lo que significa que las líneas guardan todos los sonidos desde el lirismo inicial al dramatismo final.

II- Líneas complejas. Son las quebradas o angulares, surgen del choque de los líneas rectas y se van a catalogar según su ángulo: agudo (45º, son líneas activas y cálidas), recto (90º, tienen un frío controlado) y obtuso (135º, son torpes y débiles). Cuanto más cerrado es el ángulo es más cálido y según se va abriendo se vuelve más frío. De estos ángulos surgen las formas primarias que a su vez se corresponden con un color: con tres ángulos agudos conseguimos un triángulo y su color asociado es el amarillo; con cuatro ángulos rectos obtenemos un cuadrado y su color es el rojo; y con el ángulo obtuso la forma que alcanzamos es el círculo al cual le corresponde el azul. Estas formas y colores aportan una trisonancia a la composición. Para concluir decir que las líneas quebradas se pueden complicar añadiéndole otras líneas ya existentes.

III- La curva. La curva simple surge a través de una recta que ha sido desplazada de su camino por una presión constante (cuanto mayor es esta presión más cerrada es la curva). Esta curva contiene el germen del plano más inestable-estable, el círculo. Nos encontramos con dos tipos de curva: la geométrica ondulada (los radios y las presiones negativas-positivas, son iguales) y la libremente ondulada (desaparece el aspecto geométrico, los radios y las presiones negativas-positivas están “al libre albedrío”)

En relación a todo el tipo de líneas también hemos de tener en cuenta su énfasis, es decir, la anchura de la misma, ya que es un motivo claramente de sonoridad. 

Llegados hasta aquí cabría preguntarse cómo se consigue la representación gráfica de estos dos aspectos formales vistos hasta ahora, Kandinsky da tres procedimientos, el aguafuerte, la xilografía y la litografía.

El plano básico: el plano viene delimitado por dos líneas horizontales (frías) y dos verticales (cálidas), con lo cual tiene una sonoridad equilibrada. Su forma básica es el cuadrado. Si tenemos que otorgar atributos a las partes, éstos serían: para el arriba, ligereza, liberación y libertad misma; para el abajo, condensación, pesadez, ligazón; para la izquierda, soltura, ligereza, liberación y finalmente libertad; y para la derecha, condensación, pesadez, las tensiones chocan con mayor oposición. Hemos de tener en cuenta que estas tensiones se pueden neutralizar con formas opuestas, por ejemplo formas pesadas arriba y ligeras abajo. También considerar que el movimiento hacia la izquierda, es hacia la libertad y el movimiento hacia la derecha, es de recogimiento, interiorización. El plano da dos posibilidades para colocar los elementos: una es que estén colocados de tal forma que fuercen el sonido del plano, y la otra es que los elementos se encuentran sueltos en el plano, llegando a flotar y sin conocer límites precisos. En el plano también van a aparecer los antagonismos: máximo (cuando las figuras van dirigidas a la máxima tensión) o moderado (las figuras se dirigen a una tensión moderada).

Decir para terminar que, una de las formas de conseguir sonoridad se realiza a través de la distancia entre la forma y el borde. La cercanía al borde aumenta el sonido dramático de la construcción, el mayor acercamiento al centro le presta un sonido lírico. Además cuando las rectas son reemplazadas por curvas, la suma de los sonidos aumenta.